Arch. Myriam B. Mahiques Curriculum Vitae

Thursday, September 30, 2010

Surreal stairways to nowhere

Concept design by artists and architects Sabina Lang and Daniel Baumann has analized 15 surreal artistic staircases to nowhere. Here some examples and the link to read the full article.
Jacques-Andre Istel believes that he has identified the exact center of the world, and that it is on his own land in Felicity, California
Danny Lane’s staircase seems to defy physics.
Do-Ho Suh’s staircase would seem as if it were barely there, diaphanous and airy, suspended from stainless steel tubes.  It’s part of a series called Reflections
Artist Michel de Broin twisted a set of stairs into an endless knot in the work ‘Revolutions.’
Lang and Baumann´s design
Olafur Eliasson’s sculpture, entitled Rewriting
artist Rachel Whiteread´s design
Designed by Dutch sculptor Rudi van de Wint, this majestic spiral staircase stands as an appropriate memorial for the 248 passengers who lost their lives during one of the deadliest accidents in the history of aviation, the crash at the Tenerife Airport in 1977
‘Floating Staircase’ by Ursula Von Rydingsvard

Monday, September 27, 2010

Madelon Vriesendorp y el arte misconceptual

Reproducción del artículo de Juana Libedinsky para La Nación, sección Cultura:
Posiblemente sea la tapa más famosa de un libro de arquitectura de todos los tiempos: los edificios emblemáticos de Nueva York, el Empire State y el Chrysler, son sorprendidos en la intimidad de un cuarto de hotel por el Rockefeller Center. La ilustración, titulada "Delito flagrante" (que fue la cubierta del libro Delirio de Nueva York, de la superestrella de la arquitectura holandesa, Rem Koolhaas), es considerada el intento más persuasivo de ilustrar la doble vida de las construcciones modernas.
La artista oculta detrás del dibujo es la mujer de Koolhaas y cofundadora de su famoso estudio OMA, Madelon Vriesendorp.
Si bien su obra es "tan central a nuestros recuerdos de la arquitectura de la ciudad como Piranesi o Metropolis", según dijo el Financial Times , Vriesendorp -calificada de "una de las mejores artistas de las cuales jamás se escuchó hablar" por ese diario- mantuvo durante décadas un bajísimo perfil.
Ultimamente, su obra en el Guggenheim y el Pompidou, así como retrospectivas en Londres o en el Museo Suizo de Arquitectura la están volviendo ligeramente de culto, con las "historias eróticas" de edificios como uno de sus sellos distintivos. Incluso realizó un dibujo animado sobre qué ocurre cuando la Estatua de la Libertad, viendo lo que están haciendo las otras construcciones de la ciudad, se harta de tener que ser siempre virtuosa.
Es sabido que Vriesendorp, que llama a su arte misconceptual como ironía sobre el arte conceptual, suele incorporar a su obra imágenes emblemáticas de las urbes que visita. Si bien está de paso por primera vez en la Argentina, esta redactora la conoció en Londres, donde su círculo íntimo incluye porteños que evidentemente ya le habían contado historias sobre las relaciones en una ciudad tan "psi" como Buenos Aires.
La prueba es que, a poco de llegar al Río de la Plata, confesó tener ideas para la continuación de su célebre video, que se proyectó como parte de una muestra colectiva de su grupo en el Centro Borges. Dice que el Obelisco y el Kavanagh se aman con pasión, pero las relaciones aquí no parecerían ser nunca simples, y que podrán ser felices por siempre jamás a condición de que vivan, como ahora, separados.

Fotos bajadas de google images

Sunday, September 26, 2010

Two pictures of "Big Bambú"

Big Bambú. Picture by Alejandro Duarte
Big Bambú. Picture by Alejandro Duarte
In April, I posted about Mike and Doug Starn's bamboo installation atop the MOMA, New York. I was given permission by the author of these pictures, Mr. Alejandro Duarte to reproduce them.
To read about the bamboo installation, click here:

Saturday, September 25, 2010

The magic of old cinemas

The reopened Phoenix cinema. Picture posted at
I´ve seen a couple of old cinemas in Los Angeles, even Newport Beach has one, and of course I went many times to visit the old neighborhoods cinemas in Buenos Aires. And of course, they can be never compared to the modern ¨multiplex¨, as Bernardette McNulty says in her article for, ¨it´s a kind of magic¨.
Here, some excerpts from McNulty´s article:
Next to the palm trees, New Port Beach old cinema. Picture by Myriam B. Mahiques
¨A trip to a modern multiplex cinema can feel like stepping onto the set of Blade Runner. Unmanned machines spew out tickets and chemically enhanced snacks while elevators transport you to hi-tech black caves where digital films leap out in 3D.
Yet, raging against the onslaught of modernity, this year there are a small number of Edwardian picture houses celebrating their centenaries by looking back to the past as much as they are embracing the future.
At the head of this exclusive club is the Phoenix cinema in East Finchley, north London, which has just reopened after a £1.1million refurbishment, followed by the Duke of York in Brighton and the Electric Cinema in Notting Hill.(....)The art-deco wall panels, created by Mollo & Egan in the Thirties, and the original Edwardian barrel ceiling, are a vision of deep vermilion and gold. You barely notice the subtle nips and tucks, the new lights and a new digital projection system – although they haven’t introduced 3D.
While many art-house cinemas have virtually turned themselves into middle-class private members clubs, charging premium prices for luxury seating and table service, the Phoenix has stuck with the more traditional – although still comfortable, Homer assures me – flip-up, red velvet seats. “The Phoenix is a community cinema and we wanted it to be accessible, looks and price wise, to everyone,” he says.
The Phoenix, although not its original moniker, is perhaps aptly named, given the number of reincarnations it has experienced over the past century. Gerry Turvey, a local film historian and director of the Phoenix, who has put together a book charting the cinema’s various manifestations, thinks it is this adaptability that has ensured its survival. “We’re still here because we were always an independent cinema and we were never part of the big chains,” he says. “This allowed us to adapt to survive.”
Those days of fleapit Bohemia seem long gone, although Homer argues that in the era before late-licensed clubs, cinemas were still one of the only places you could go late at night to smoke, a role they no longer need to fulfil. While still committed to showing non-mainstream films, the Phoenix, like most independent cinemas, seems to err on the side of the more accessible end of non-American films. Brit comedies like Tamara Drewe and the forthcoming Made in Dagenham will undoubtedly be a hit with their north London audience.
But in the era of DVDs and downloading, it is nevertheless a small miracle that these cinemas still exist – let alone thrive. Homer believes that the Phoenix is like a temple to film to which “people come because they still want to have that communal feeling of watching a film together in a place that is full of history. It is a kind of magic.”
Read the full article:

Wednesday, September 22, 2010

Vera and Ivo Makianich´s works

Eyes. Digital painting by Vera Makianich
Safe Creative
Safe Creative

Just to begin, what can I say? they are my daughter (19) and my son (17). Vera is studying Graphic Design and Ivo is almost done at High School. Ivo throws his great drawings everywhere, he draws in little pieces of paper, on napkins, he used to draw on the furniture when he was 3 years old.......Vera is keeping order and she is improving in digital arts.
They are beginning with a portfolio, best wishes to them!

Tuesday, September 21, 2010

Detroit: a thriving city supported by the iniciative of food

I was delighted to read Tom Philpott’s article Three projects that are watering Detroit’s ‘food desert’, published on September 10th, 2010 at
When he visited Detroit in last June, he expected to find -in his own words- a sort of post apocalyptic metropolis, a near empty city plagued by crime, poverty and despair. Every neighborhood he visited has empty lots, abandoned factories and crumbling buildings. There are no supermarkets but dozens of liquors. But, amid Detroit’s economical and social problems, he found a community organizing themselves very well, through the iniciative of food, as a key motivating force for a livable place.
“I was struck by the cooperation on display -- the way new-wave restaurateurs, market farmers, food-justice activists, and nonprofit advocates work together toward the goal of a healthy, inclusive food system where a food desert once stood. And while plenty of work remains to be done before that vision can be achieved, my week in Detroit left me with little doubt that it would be.”  
Picture by Tom Philpott
D-Town Farm. Picture by Tom Philpott.
Philpott says there are three representatives of this 21st century spirit of the Motor City:
1)       Grown in Detroit: Eastern Market functions as a wholesale market selling produce and meat sourced from all over the country. But on Saturdays, in a festive environment, most of Eastern Market becomes a real farmers market, featuring produce from Michigan's rich agricultural land.
2)       Brother Nature Produce: “ an idyllic rural vegetable farm. A dozen or so raised beds teem with vegetables in various stages of growth, surrounded by three hoop houses. Here and there in the surrounding area, you see stand-alone houses; but most of what you see in the distance  is open fields and a smattering of trees.”
3)      D-Town Farm: it has emerged on a two-acre corner of an old tree nursery. D-Town has a 10-year lease from the city and is in negotiation to add an adjacent five acres to the garden. If all goes well, the project could be a model for creative land reuse in a city with thousands of acres of vacant land. 
Read Philpott’s article:

Top 10 Global Cities

New York. SAUL LOEB/AFP/Getty Images
From The Wall Street Journal, by Emily Peck:
Half the world’s population lives in cities and you can expect that number to grow in the coming years, according to Foreign Policy magazine, which looks at Global Cities in its latest issue. The 21st century will be dominated by the city, writes Parag Khanna. “The age of nations is over. The new urban age has begun.”
Just 100 cities account for more than 30% of the world’s economy, Mr. Khanna writes. What’s more, the 21st century will see the rise of the megacity, “megalopolises whose populations are measures in the tens of millions, with jagged skylines that stretch as far as the eye can see.”
What qualifies as a “global city”? A large population, for starters. The magazine looked at 65 cities with populations of more than 1 million. But more important, the magazine says it “aims to measure how much sway a city has over what happens beyond its own borders.” Among other things, the magazine, working with A.T. Kearney and the Chicago Counsel on Global Affairs, looked at how many Fortune Global 500 company headquarters were in a city, the size of its capital markets, and the number of embassies, think tanks, political organizations, and museums.
While FP mainly focuses on what the rise of the cities will mean for diplomacy, statehood and power, we wondered what it means for real estate. In a separate essay in the magazine, Joel Kotkin takes a look at the rise of the city—the megacity in particular—and finds quality of life lacking.
But bigger might no longer mean better. The most advantaged city of the future could well turn out to be a much smaller one. Cities today are expanding at an unparalleled rate when it comes to size, but wealth, power, and general well-being lag behind. With the exception of Los Angeles, New York, and Tokyo, most cities of 10 million or more are relatively poor, with a low standard of living and little strategic influence.
The Top 10 Most Global Cities
1. New York
2. London
3. Tokyo
4. Paris
5. Hong Kong
6. Chicago
7. Los Angeles
8. Singapore
9. Sydney

Monday, September 20, 2010

Exposición de cocinas en New York “Counter Space: Design and the Modern Kitchen” en el Museum of Modern Art (MOMA)

Frankfurt Kitchen. Imagen de
Para algunas personas, una cocina es un espacio más dentro de la vivienda, pero no todos piensan así. Para el arquitecto Le Corbusier, si la casa es una máquina de habitar, la cocina es su motor, la que le da vida.
A lo largo de la historia del diseño, la cocina ha sido un campo de batalla sobre sistemas de creencias, uno de ellos, el rol de la mujer en la sociedad. A medida que el número de mucamas declinaba, las amas de casa fueron tomando una postura más fuerte que se confrontaba con una imagen publicitaria de ser ellas mismas un ¨electrodoméstico¨.
Esta exhibición ubica a la cocina moderna en su contexto histórico, a través del diseño de objetos, artefactos, piezas de arte. Desde el punto de vista social, estético-histórico, se muestra cómo se ha evolucionado en el tema ¨cocina¨, desde las primeras construcciones prefabricadas de post guerra, pasando por la disponibilidad de gas y electricidad, el crecimiento urbano, la clase media y su consciencia de salud, la independencia de la mujer, la selección de desechos.
Recipiente para servir, de Kenneth Brozen. Foto de
Para quienes tengan la suerte de poder ir, entre otros artefactos interesantes, encontrarán los primeros Tupperware de 1950, el exprimidor escultural de jugos de Philippe Starck Juicy Salif Lemon Squeezer de 1988,  la cafetera eléctrica de Peter Behren, de 1909, -nickelada para parecer de plata-, un poster de su diseño para alentar el uso de la electricidad, un póster norteamericano de 1917 que incita a la gente a comer menos carne y grasas, más granos y vegetales, no para su salud, sino para ahorrar comida para las tropas aliadas.
Pero la pieza central del show, es una estupenda adquisición: uno de los últimos ejemplos sobrevivientes de la casi completa cocina de Frankfurt diseñada en 1926/27 por Margarete Schütte-Lihotzky, quien fuera la primera mujer arquitecta austríaca. Este modelo de cocina que incluye el innovador concepto de estantes de grilla metálicos, fue producido en masa para los bloques de viviendas que se construyeron en Frankfurt luego de la devastación de la I Guerra Mundial.

Sunday, September 19, 2010

Archipelago. By Nova Jiang

Of all works on line at the workshop for the 2010 Biennal ¨Build your own world¨, in San José, California, this one is my favourite: Archipelago, by Nova Jiang. Nova a young Chinese artist, currently living in Los Angeles.
Sustainable locomotion is not just about lowering energy consumption and reducing pollution, it is also an opportunity to redefine the social paradigm of transportation. In a car-based culture, we have sacrificed sociability in the way we travel for an ideal of “individual convenience” which ironically impedes rather than promotes mobility in our congested cities.
For this project and workshop, a collection of mobile “desert islands” will be constructed with help from the public. Each island will carry empty bottles and writing materials and circulate throughout the city. A participant can create an anonymous “message in a bottle” which asks for help, whether for romantic advice or philosophical guidance. The author can later log onto the project website to see what solutions people have offered.
Archipelago (2010) seeks to address issues of urban isolation exacerbated by car culture. The islands act as “vehicles” which carry communication instead of people or goods. They are nodes in an experimental “social network” created around empathy. Archipelago has no predefined destination. Its mobility is a strategy to initiate chance encounters and encourage people to leave the “desert island” of their normal routine.
Commissioned by ZER01 for the 3rd 01SJ Biennial, and presented with the support of the James Irvine Foundation.
The pictures posted here belong to Nova Jiang and are posted at:

Out of the garage into the world. San José, California

ZER01 is inviting independent artists, designers, architects, engineers, programmers, and corporate and academic research programs to publicly work in San Jose’s 80,000 square foot South Hall to create projects for exhibition, performance, provocation, and interaction. From a marsh-as-electric-plane-landing-strip to a public orchard to artificial atmospherics to a public “tech shop,” this innovative platform will build on the dynamic histories of garage hacking and citizen science to build not just what’s next but to imagine how what’s next matters. From September 4-14, these projects will be “in process” and open for public viewing. The results will be presented and exhibited, both in South Hall and in other parts of the City, September 16-19.
Out of the Garage, Into the World uses Build Your Own World as its overarching theme, and its methodology is rooted in an ethos of creating and inventing for the common good. Out of the Garage, Into the World acknowledges the blurred boundaries between garage hacking and citizen science and invites a range of such DIY laboratories and re-purposed spaces to perform in the public sphere, where the general public can observe and even participate in the process. The intent of Out of the Garage, Into the World is for artists to create projects that have a positive impact, however they define that, on their neighborhoods and communities or more broadly.

Saturday, September 18, 2010

Jackson Pollock and Fractals

Jackson Pollock´s No 1, 1949. picture by Myriam B. Mahiques
In September 1999, Ivar Peterson, from the Mathematical Association of America, published an article about Jackson Pollock and the fractal patterns of his paintings of swirling drips. Pollock´s dripping technique was developed in the late 1940 and early 1950. It was an immediate success. Apart from this innovation, the relationship artist-canvas was different: now, the canvas were spread on the floor, the artist was looking from above, he could walk around, over it. The morphological pattern was an aparent chaos. 
But Physicist Richard P. Taylor of the University of New South Wales in Sydney, Australia, who was also trained as an artist, scanned Blue Poles, Number 11, 1952 with a computer, to analyze the color schemes and trajectories. The researchers discovered that Pollock's patterns had fractals characteristics. It means autosimilarity: parts of the painting would have similar (because it´s not a perfect fractal) fractal dimension than the whole painting.
I´ve read Peterson´s article many years ago, but never had the opportunity to test it myself. Two days ago, I went to Arata Isozaki´s  MOCA museum in Los Angeles, and had the good chance to watch Pollock´s No1, 1949 and even take a picture, (without flash).
I converted the jpg file in a binary file in order to measure the fractal Dimension, with ImageJ, and these were the astonishing results, for the whole painting plus two selected random details:
D 1.8507
D 1.8780
D 1.8782
Safe Creative #1009197371213
Read Ivar Peterson´s article:

Thursday, September 16, 2010

Marc Augé habla sobre Buenos Aires 2040

Asentamientos bajo la autopista. Foto de Revista Eñe
Marc Augé es un antropólogo francés, nacido en 1935, director de estudios en la Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales de París, institución de la que fue presidente entre 1985 y 1995. Algunos de sus libros publicados son "Los no lugares: espacios del anonimato" (1993), "Hacia una antropología de los mundos contemporáneos" (1995), "El viajero subterráneo: Un etnólogo en el metro" (1998), "Ficciones de fin de siglo" (2001), "Diario de guerra: El mundo después del 11 de septiembre" (2002), "El tiempo en ruinas" (2003), "¿Por qué vivimos?" (2004) y "Elogio de la bicicleta" (2009).
El texto que sigue es la reproducción del artículo de Julián Gorodischer, ¨Utopía Negra¨, publicado en la revista de cultura Eñe, sábado 4 de septiembre de 2010:
Es el año 2040, y Buenos Aires se convirtió –según la predicción del antropólogo francés Marc Augé*– en uno de los núcleos de concentración de miseria y riqueza más importantes de Latinoamérica. Estamos ubicados en uno de los no-lugares más tradicionales (el concepto es de su autoría –en Los no lugares, Gedisa, 1993– y refiere a los espacios donde uno permanece anónimo estando en multitud, solo aunque acompañado): el lobby del hotel NH Tango, edificado sobre los restos del extinto cine Metro, ahora sucursal de una cadena que se apropia y extranjeriza el "valor autóctono".
Le propuse a Augé un ejercicio de anticipación, que aceptó con entusiasmo porque ya dedicó lo mismo a la megalópolis de Europa: hagamos de cuenta que ésta, que nos rodea, es la realidad del 2040. Entonces, empieza a especular. "Afuera –dice– hay una ciudad con los problemas de todas las ciudades del nuevo mundo: ya no hay una democracia que mezcle mercado liberal y democracia representativa." ¿Qué hay entonces?
"Se lo estoy diciendo: no una democracia representativa", sigue, "sino una sociedad desigual, una sociedad de clases o análoga a la de Francia de antes de la Revolución Francesa: un polo en el que se concentran la riqueza, el saber, la ciencia y el poder. El poder será la red misma, más allá de un poder nacional."
–¿Qué otros polos del mismo tipo hay en América Latina?
–Buenos Aires, Río de Janeiro y San Pablo.
La Ciudad de Buenos Aires –dice Augé– sustituyó los lugares de residencia por lugares de trabajo, reemplazó los espacios de paseo por vías de circulación, y los lugares de la vida por un decorado.
Año 2040: salvo raras excepciones nadie vive en Buenos Aires. Los que se quedaron son la presidente de la República, su marido y algunos funcionarios de alto rango del Ejecutivo. Por la mañana y por la noche, multitudes disciplinadas llegan o salen de las oficinas. Los turistas visitan los lugares más importantes de la Capital. El casco histórico sigue siendo el lugar favorito para este público, aunque su refacción y administración fueron confiados a la Disney. La compañía estadounidense –dice Augé– negoció directamente con los propietarios privados la compra de los edificios necesarios para reconstruir la Buenos Aires histórica. Se comprometió a crear cierto número de empleos y a asegurar el mantenimiento de las vías de acceso. Los visitantes se sienten felices cuando entran a la flamante réplica del Cabildo y al Colegio Nacional de Buenos Aires, exactamente iguales a los edificios que están sustituyendo.
La prohibición de circulación de todos los autos en el perímetro que encierran la 9 de Julio, Paseo Colón, Avenida Belgrano y Avenida de Mayo no tuvo los efectos benéficos esperados en cuanto a la calidad del aire.
–Ya no queda más petróleo –sigue Augé–. Los medios de transporte se han desarrollado usando electricidad. Se crearon nuevas autopistas para ir hasta los aeropuertos. La ciudad se remodeló con la prioridad de entrar en comunicación con el resto del planeta. Algunos estudiantes todavía frecuentan la Biblioteca Nacional o la del Congreso, pero quedaron suprimidas todas las universidades de Buenos Aires y fueron reemplazadas por enormes campus.
Seguimos: la Avenida del Libertador, después de una discutida iniciativa de la jefatura de gobierno, quedó transformada, a partir de 2015, en avenida peatonal. Uno puede recorrerla de arriba abajo para terminar en el Museo Histórico Nacional. Este museo ha sido tomado por el "valor" entretenimiento; es decir, la prioridad es que el público viva una experiencia, que participe en una especie de juego de reconstrucción relacionado con la experiencia histórica. "El arte fue apropiado por la sociedad de consumo. Se ampara en las ferias (las palabras son reveladoras). El arte –repito– ha sido definitivamente dominado por la sociedad de consumo". Los espacios de reconstrucción histórica se transformaron –estos sí– en "no lugares". "Ya no se puede hablar de centro y de periferia, sino de un descentramiento."
En el centro de la ciudad no queda nada más que el espectáculo de la ciudad histórica para el turismo; pero los llamados centros históricos son espectáculos incluso para la gente que vive en la ciudad. Cambió radicalmente la relación que tenemos, en 2040, con el exterior de la Nación, que la mayoría conocemos solamente a través de imágenes. No son muchos los que viajan a otros países, pero muchos tienen una idea de cómo son esos países por las imágenes que nos invaden por televisión y por la computadora.
Pero Buenos Aires es todavía una ciudad. Muchos lugares siguen recomponiéndose, marcando momentos políticos o culturales importantes en la vida colectiva. La permanencia del viejo Colón sigue convocando a veladas animadas. Sigue habiendo espectáculos callejeros en los alrededores de los pocos espacios verdes que se expandieron alrededor del 2025.
El MNBA y el Parque Tres de Febrero fueron renovados de la misma manera: los espacios de circulación son más amplios y se admiten atracciones especiales tomadas a préstamo de la estructura de un parque temático. A la entrada, hay centros de visita virtual que permiten recorrer el museo o el espacio verde sin necesidad de un largo trayecto caminando, viéndolo en gigantescas pantallas que ofrecen imágenes en 3D.
Muchos prefieren este modo de visita, que es menos cansador y optimiza tiempo y energía. La entrada es gratuita para los mayores de 85 y los titulares de una asignación universal por hijo.
En los foros universitarios, los etnólogos que siguieron la huella de Augé en el estudio de los espacios transnacionales de circulación de personas ya no piensan en términos de "no-lugar" sino en el de "híper-lugar", "en el sentido de que se puede hacer cualquier cosa en ellos, como en el aeropuerto –describe el precursor de esas nuevas camadas–, donde se pueden comprar cosas, utilizar el banco, hasta se puede vivir en un aeropuerto. El desarrollo de los espacios de comunicación, circulación y consumo creció hasta convertirlos en centrales para la organización de las sociedades".
"Se puede comprar cualquier cosa en cualquier lugar –dice Augé– proveniente de cualquier confín del mundo. Hay una circulación más intensa de productos. En cambio, en comparación con el auge del concepto de híper-lugar, el de no-lugar perdió vigencia desde que dejó de considerarse como un espacio del anonimato." "La planetarización, la globalización, la seguridad se vuelven, por ciertas razones, más fuertes, y además está esa necesidad de 'papeles'; es un hecho muy remarcable que la situación 'sin papeles' de la gente 'sin papeles', es decir, sin identidad es no tener nada que hacer."
Año 2040: los países pobres están menos lejos de los países ricos. Hay una disminución de la brecha entre los países pobres y los ricos, explica el antropólogo. Pero la diferencia entre los más ricos de los ricos y los más pobres de los pobres, en el interior de esos países, es en todas partes del mundo muy marcada, incluso en los países subdesarrollados.
"La brecha entre los más ricos de los ricos y los más pobres de los pobres crece", sigue. "Se da en todos los países, incluso en los emergentes; se da en los Estados Unidos, la China o Ruanda." Los espacios virtuales articulan la vida social imponiendo una comunicación, que no es del orden de la "relación". El eje de la vida en comunidad es la comunicación con otros que no conocemos.
–¿Cómo se manifiestan esos sistemas de relación?
–No es de relación, dije, es de comunicación. Falta reflexionar a propósito de eso. En Los no lugares he puesto el espacio virtual del lado de los "no lugares", pero es más complicado que eso.
Año 2040: la mira en el futuro del planeta está fuera del planeta. "Iremos a colonizar otros planetas; no sé cuándo, pero el futuro del hombre está fuera del planeta. Como parte de un proceso más o menos reciente, la gente empezó a adquirir una 'identidad planetaria', que quizás sea el principio para salir a buscar a otros mundos."
"Cuando hablamos del mundo-ciudad –sigue Augé– tenemos la idea de que todo está circulando, que el planeta es como una gran ciudad. Lo que en cierto sentido es verdad. Y todo circula. Pero cuando estamos en la ciudad-mundo, vemos que las cosas son menos ideales. Es decir, que la verdad del mundo-ciudad es la ciudad-mundo. Es decir, vivimos en la diversidad, a la vez la riqueza, la pobreza, la ignorancia, el saber, todo junto. No son puros, son lugares de lucha o de diferencia."
Año 2040: la sociedad de consumo es la principal fuerza ideológica, y son mucho más fuertes los efectos de fascinación que ejerce que las expresiones de resistencia o de protesta, que no son sorprendentes.
Por fin asumimos que el planeta es frágil. Las epidemias circulan más rápido; se habla mucho de la gripe. Tenemos miedo.
La agenda está dominada por las malas noticias a propósito de la ecología, que tienen el mismo impacto que las noticias deportivas, captando la atención para hacernos pensar en sólo un par de cosas. La gente es muy pesimista, y no se sabe exactamente por qué. "Bueno, o se pueden suponer muchas razones", dice Marc Augé. –¿Son pesimistas con respecto al futuro?
–Con respecto al futuro y al presente. Tristeza, malhumor, etcétera controlan esta utopía negra. Si no quiere una utopía negra, puedo atenuar... –Sí, prefiero. –Puedo matizar las cosas, diciéndole que el único elemento, no de optimismo pero sí de expectativa, es que después de cada catástrofe, cada guerra, hay necesidad de reconstruir. Y yo no puedo imaginar una implosión de la sociedad humana.
Marc Augé fue Invitado a la Argentina por la Embajada de Francia y el Festival Internacional de Literatura de Buenos Aires (FILBA). Desgrabaciones: Ana María Mozian.

Tuesday, September 14, 2010

Kitchen design at MoMA´s

Die Praktische Küche (The Practical Kitchen), 1930 Helene Haasbauer-Wallrath (Swiss, 1885-1968)
The topic of MoMA’s latest show, the evolution of the modern kitchen, has universal appeal: Everyone spends some time in their kitchen, even if it’s just reheating leftovers. Curated by Juliet Kinchin and Aidan O’Connor of MoMA’s Department of Architecture and Design, Counter Space: Design and the Modern Kitchen, is an examination of the kitchen’s role “as a barometer of changing aesthetics, technologies, and ideologies.” The exhibit includes almost 300 works drawn from the museum’s collection, including design objects, architectural plans, posters, photographs, and archival films.
The centerpiece of the exhibit is an unusually complete example of the “Frankfurt Kitchen”, designed by Austrian-born architect Margarete Schütte-Lihotzky (1897-2000), the earliest work of a female architect in MoMA’s collection. After World War I, about 10,000 of these kitchens were manufactured for public-housing estates built around Frankfurt-am-Main, Germany as a part of a five year program to modernize the city. The kitchen’s compact design is the reverse of today’s McMansionesque kitchen spaces where you need a Segway to get from the oven to the sink. I thought the kitchen looked familiar, and Kinchin proudly explained that while I did see another sample of it on display during the Victoria and Albert Museum’s Modernism: Designing a New World exhibition in London in 2007, the unit she has acquired for MoMA is a complete example.
Juliet Kinchin, Curator, MoMA giving opening remarks at the show's press preview. 
Juicy Salif Lemon Squeezer, Philippe Starck, 1988

Kitchen aficionados will enjoy the products on display, particularly items such as the iconic Bialetti espresso maker (c. 1930) and the unusual Corning glass frying pan (1940), but I think the strongest part of the show is the collection of poster design, particularly the wartime propaganda pieces. L.N. Britton’s piece that instructs Americans to eat less sugar, meat, and fat in order to save them for “the army and our allies” rather than to be healthy, was a particular favorite. Alas, the gift shop doesn’t plan to sell reproductions of the posters, which is a shame.
I didn’t understand however the rationale for including several of the pieces in the show: a Dyson vacuum cleaner (1994-95) and plastic Japanese food items that restaurants display in their windows (c. 1975) in particular, didn’t seem to connect to the theme. Also, the Irving Penn photos of a cracked egg (Broken Egg, New York, 1958) and frozen veggies (Frozen Foods, New York, 1977) seemed a bit like filler. Through March 14, 2011.
Frankfurt Kitchen, Margarete Schütte-Lihotzky (Austrian, 1897-2000)
Article by Rita Catinella for Architectural Record. All pictures from Architectural record

Toyo Ito wins Praemium Imperiale

Toyo Ito. Photo © The Sankei Shimbun 2010
He might not have won this year's Pritzker, but Toyo Ito has won another prestigious, global prize: a 2010 Praemium Imperiale.
Established by the Japan Art Association in 1989, the annual award recognizes lifetime achievements in artistic disciplines not covered by Nobel Prizes. Each winner receives 15 million yens (approximately $169,000).
The 2010 laureates are:
Architecture: Toyo Ito, Japan
Theater/Film: Sophia Loren, Italy
Painting: Enrico Castellani, Italy
Sculpture: Rebecca Horn, Germany
Music: Maurizio Pollini, Italy
In addition, the association bestowed its annual young artist award to the Asian Youth Orchestra. The group will receive 5 million yens (approximately $56,000).
The winners will be recognized at an October 13 ceremony in Tokyo, where they will receive gold medals and diplomas from His Imperial Highness Prince Hitachi, honorary patron of the Japan Art Association. For more info, visit the Praemium Imperiale Web site.
Article by Jenna Mc Knight. For Architectural Record

Monday, September 13, 2010

Trabajos ¨a la japonesa¨ para refaccionar escuelas en la ciudad de Buenos Aires

Trabajos en la escuela de Conde 223. Foto de La Nació
Hace diez días posteé acerca de la toma de escuelas en la ciudad Autónoma de Buenos Aires, y dí mi punto de vista, esperanzada en que los padres tomaran las riendas y tal vez pensaran en actuar rápidamente para buscar soluciones, dejando para más tarde las cuestiones políticas y priorizando que los chicos sigan estudiando. Mi esperanza contaba con una huelga estilo Japonés. Acá está el link de mi post anterior, donde creo olvidé decir que mis hijos también fueron a escuelas públicas de Buenos Aires, en Capital y provincia:
Hoy, me llevé la gran y grata sorpresa, del artículo de Julieta Molina publicado en el diario La Nación, sección Cultura, que aquí reproduzco: 
¨Un caos ordenado dominó ayer los patios, pasillos y aulas de la escuela Raúl Scalabrini Ortiz, en Colegiales, durante todo el día. Un pequeño ejército armado con pinceles, espátulas y esponjas trabajó sin cesar en el Día del Maestro, con la consigna "Yo amo a la escuela pública... y la defiendo". Como en 23 escuelas de la ciudad, padres y madres acompañados por sus hijos -agrupados en la organización Familias por la Escuela Pública- participaron en una jornada que combinó el trabajo voluntario con un reclamo concreto: "Mayor presupuesto para la educación pública, no a la subejecución presupuestaria y mayor transparencia en la gestión del área educativa de la ciudad". Retapizaron sillas, pintaron carteleras, juegos y pizarrones, marcaron las canchas de deportes, cambiaron tubos de luz y armaron estanterías para libros e instrumentos. Admitieron los padres, sin embargo, que "son arreglos de cosmética y confort; las cuestiones de infraestructura son las más necesarias, pero ésas nos exceden", según dijo a LA NACION Luis Wigutow, un padre que se acercó a colaborar. Allí es donde la jornada solidaria se tiñó de reclamo y los padres manifestaron su insatisfacción con la actual gestión. "Estamos pegando cintas antideslizantes en las escaleras. Hace dos días, me dijeron en Mitigación de Riesgos [área del gobierno de la ciudad] que no tenían plata para ese tipo de cosas. Compramos nosotros los dos rollos de cinta y en total gastamos $ 170", detalló en diálogo con LA NACION Ernesto Golomb, fundador de Familias por la Escuela Pública, creada en 2009, y miembro de la cooperadora de la escuela Scalabrini Ortiz. A esa institución asisten 1200 niños que cursan en primaria y jardín. Entre mates y partidos de fútbol, la comunidad del colegio utilizó su sábado para que "la escuela se vea más linda", como dijo Julia, de 10 años, acompañada por su mamá y sus amigos Ciro y Alvaro, de 10 y 12 años, respectivamente. Sentados en el piso del pasillo, pintaron carteles para las aulas, porque los anteriores "estaban viejos y eran más aburridos".Cerca del mediodía, las preguntas sobre el almuerzo se multiplicaban, y Golomb explicó: "Enseguida vamos a empezar a cocinar: el menú será patys y panchos". A pesar del buen humor general, Golomb se refirió a la crítica situación escolar: "Hace cuatro años, el subsidio de mantenimiento era de $ 30.000, este año es de $ 16.000, y nunca nos dijeron por qué". "Nosotros, como cooperadora, tendríamos que estar organizando campeonatos deportivos o eventos culturales, como recitales o exposiciones, y no pintando y limpiando", agregó Wigutow. El inconveniente de la escuela es que no posee personal de mantenimiento y tiene la mitad del personal auxiliar necesario. Quienes deben trabajar para mantener las condiciones edilicias son los padres. "En zona sur, por ejemplo, hay muchas escuelas donde no funcionan las cooperadoras porque hay que tener gente que quiera trabajar ad honórem, y personas a las que les cuesta mucho ganarse el mango no tienen ni la voluntad ni la fuerza para hacerlo", dijo Wigutow.
Tres años sin gas 
Un caso ya emblemático es el de la escuela Blas Parera, en Armenia 2214, de Palermo, que este invierno "festejó" su tercer año sin gas. Allí también trabajaron ayer los padres, que con dinero de la cooperadora protegieron con lonas las rejas del patio de juegos de los niños, que estaba en contacto directo con la vereda y la gente que transitaba por allí. Esta escuela está a un paso de recibir el suministro de gas, "sólo falta la habilitación de Metrogas", dijo Rafael Abramovici, uno de los padres que participó de la jornada. Sin embargo, este resultado no responde a los reclamos formales, según explicó Abramovici: "Hubo muchas promesas incumplidas, fuimos infinidad de veces a conversar con infraestructura. Logramos la instalación del gas después de cortar la calle y hacer un festival; es una victoria clara de la movilización". "Esta es una protesta a la japonesa, en vez de quedarnos en el reclamo queremos mostrar lo que se puede hacer por la escuela. Pero, ojo, no queremos suplir al Estado", sintetizó.¨
Mis más sinceras felicitaciones a aquéllos que hicieron posible el ¨caos ordenado¨.

Sunday, September 12, 2010

Forms. In the words of Aristotle

Bali digitalized. By Myriam B. Mahiques
"Again, of the ways in which it is proved that the Forms exist, none is convincing; for from some no inference necessarily follows, and from some arise Forms even of things of which they think there are no Forms. For according to the arguments from the sciences there will be Forms of all things of which there are sciences, and according to the argument of the 'one over many' there will be Forms even of negations, and according to the argument that thought has an object when the individual object has perished, there will be Forms of perishable things; for we have an image of these. Again, of the most accurate arguments, some lead to Ideas of relations, of which they say there is no independent class, and others introduce the 'third man'.
"And in general the arguments for the Forms destroy things for whose existence the believers in Forms are more zealous than for the existence of the Ideas; for it follows that not the dyad but number is first, and that prior to number is the relative, and that this is prior to the absolute-besides all the other points on which certain people, by following out the opinions held about the Forms, came into conflict with the principles of the theory.¨
Excerpt from Metaphysics. By Aristotle, written 350 BC.

Saturday, September 11, 2010

Difficult cases with trees

The view to Downtown LA through the chopped pines. Picture by Myriam B. Mahiques
This year, I participated in a Court issue about trees that blocked the beautiful view of a hill side house in Los Angeles. The problem, lots of old pines that grew in the neighbor´s yard below. It was a real problem that was ¨resolved¨ after two years in Court. 3 Parties were involved: the affected property´s owners, who said the loss of the view dropped the value of the house; the neighbor, who said the pines were really old and by chopping them they would be ruined, his own view would be affected; the Neighbors Association who had their own Code, the trees were exceeding the maximum height but who´d dared to chop the great trees?
A very difficult case indeed, where everybody seemed to have a good reason  to defend. We were like a fourth party, supervising the works after the Judge said they had to be trimmed up to the maximum height, which would allow to rescue the view to Downtown LA and surroundings.
I can tell you, nobody was happy with the resolution, because it was not a real solution, you have the view, but the landscape is somehow spoilt.
Today, I was reading about another hard case, again, a huge tree blocking views. What is incredible, it takes so long years to resolve. The article is posted at
Picture from
¨It is probably safe to assume that David Alvand likes his privacy. Firstly the civil engineer spent 12 years fighting a court battle over a 3.6-metre (12ft) concrete wall which he erected without planning permission around his back garden.
It was finally dismantled just before the case reached the European Court of Human Rights (ECHR).
Now it is the front of Alvand's suburban semi-detached house in Plymouth, Devon, which has agitated the neighbours.
They have launched a formal complaint under antisocial behaviour legislation to force him to cut back the vast leyland cypress trees completely filling the front garden.
Planted in 1991, shortly after the 66-year-old moved into the area, the famously fast-growing trees – better known as leylandii and the source of countless previous neighbourly disputes, some turning violent – are now more than 10 metres tall.
As well as completely obscuring the front of Alvand's home, their higher branches overhang his neighbours' roofs, as well as the pavement.¨
Read the full article:

Thursday, September 9, 2010

Saving Millard Sheets´ murals in Los Angeles

In the 1950´s, financier Howard F. Ahmanson Sr. and California artist Millard Sheets formed an unlikely partnership. Ahmanson, who´d bought several savings and loans, sent Sheets, a nationally recognized artist, a terse letter: ¨Have traveled Wilshire Boulevard for twenty five years. Know name of architect and year every building was built. Bored.¨
Ahmanson wanted Sheets –who had no architectural training- to design buildings for him, but gave him no guidelines. (…..) Over 33 years, Sheets designed more than 40 buildings for Ahmanson´s companies, most notably Home Savings and Loan. To adorn the interior and exterior walls, Sheets created murals, mosaics, and stained glass windows, always with a local theme. He was amazed at the freedom he had. As he told an interviewer for the Archives of American Art years later, ¨It was a hell of a job¨.(….)
Today, Chase Bank, the current owner of many of Sheets´ buildings, works closely with the artist´s son Tony, an artist himself. Their goal is to preserve his father´s art or find new sites for it. (….)
Millard Sheets. Picture from
Pomona Home Savings and Loan building. Picture from
Home Savings and Loan´s mural in Beverly Hills
¨Things change,¨ Tony explains. ¨Dad designed those buildings with the idea that people wanted to know their money was absolutely safe. So they built them around their vaults, and the vaults were very visible.¨ Today, security dictates that banks conceal their vaults, and anchor Plexiglas in front of teller windows, which often obscures works of art like the Rose Parade mural. The Pasadena Mural is safe, but others haven´t survived.¨

Three of Millard Sheet´s watercolors, in the Social realism style. Pictures from
Westways magazine. Page 35. September 2010


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