Arch. Myriam B. Mahiques Curriculum Vitae

Saturday, June 30, 2012

Some prints by Giovanni B. Piranesi

Giovanni Battista (also Giambattista) Piranesi (4 October 1720 – 9 November 1778) was an Italian artist famous for his etchings of Rome and of fictitious and atmospheric "prisons" (Carceri d'Invenzione).(....) The remains of Rome kindled Piranesi's enthusiasm. He was able to faithfully imitate the actual remains of a fabric; his invention in catching the design of the original architect provided the missing parts; his masterful skill at engraving introduced groups of vases, altars, tombs that were absent in reality; and his broad and scientific distribution of light and shade completed the picture, creating a striking effect from the whole view. Some of his later work was completed by his children and several pupils. Piranesi's son and coadjutor, Francesco, collected and preserved his plates, in which the freer lines of the etching-needle largely supplemented the severity of burin work. Twenty-nine folio volumes containing about 2000 prints appeared in Paris (1835–1837). The late Baroque works of Claude Lorrain, Salvatore Rosa, and others had featured romantic and fantastic depictions of ruins; in part as a memento mori or as a reminiscence of a golden age of construction. Piranesi's reproductions of real and recreated Roman ruins were a strong influence on Neoclassicism.


In his stunning series of prints called Imaginary Prisons, 18th-century Italian artist Giovanni Battista Piranesi created haunting, expressive, and entirely fantastical architectural scenes. The large-scale etchings and engravings—with their cavernous, gloomy chambers and labyrinthine corridors and staircases filled with unreal machines, enormous chains, and contorted prisoners—allow for an investigation of the line between architectural observation and the imagination. Prints from Piranesi’s series Views of Rome likewise demonstrate his tremendous skill at rendering perspective and creating complex compositional environments. Even in views of known locations in Rome, Piranesi frequently elaborated, exaggerated, and added imaginary devices or dramatic figural vignettes. Additional works by Piranesi and by his contemporaries and followers reveal the broad context of his career and his legacy. A selection of dramatic photographs by Clyde Hare of Pittsburgh’s Allegheny County Courthouse, designed by renowned architect Henry Hobson Richardson, offer a striking parallel to Piranesi’s fantastic designs. It is just one local example of Piranesi’s continued relevance to a wide range of artists and practicing architects through the generations.

REFERENCE: Carnegie Museum of Art

Thursday, June 28, 2012

The collapse of the tower in the movie "Ironclad"

Rochester Castle. A shot of the movie Ironclad. Google images

Yesterday I've watched the epic movie "Ironclad". I love epic movies showing the architecture of medieval times, and I'm not going to write a review, you can find many on line.
I was particularly impressed by the collapse of the castle of Rochester's tower and the way the king's soldier did it. Pigs are brought to the cellar (they say foundation), below the tower, and they are burnt alive. Why pigs? Because their fat keeps the fire burning.
The raised floor is collapsed and in consequence, the tower. I took some screen shots from my  computer to show the interesting effect:

And here, I'm sharing two pictures from the movie's blog, showing the construction of the castle.

Tuesday, June 26, 2012

Paris, in the words of Bram Stoker

Paris is a city of centralisation—and centralisation and classification are closely allied. In the early times, when centralisation is becoming a fact, its forerunner is classification. All things which are similar or analogous become grouped together, and from the grouping of groups rises one whole or central point. We see radiating many long arms with innumerable tentaculae, and in the centre rises a gigantic head with a comprehensive brain and keen eyes to look on every side and ears sensitive to hear—and a voracious mouth to swallow.
 Other cities resemble all the birds and beasts and fishes whose appetites and digestions are normal. Paris alone is the analogical apotheosis of the octopus. Product of centralisation carried to an ad absurdum, it fairly represents the devil fish; and in no respects is the resemblance more curious than in the similarity of the digestive apparatus.(...) 
The Paris of 1850 was not like the Paris of to-day, and those who see the Paris of Napoleon and Baron Hausseman can hardly realise the existence of the state of things forty-five years ago. 
Amongst other things, however, which have not changed are those districts where the waste is gathered. Dust is dust all the world over, in every age, and the family likeness of dust-heaps is perfect. The traveller, therefore, who visits the environs of Montrouge can go go back in fancy without difficulty to the year 1850.

Old map of Paris. Google images
Old map of Paris. From

From The Burial of Rats. Bram Stoker, 1914

Monday, June 25, 2012

An experience in Chichen Itza

Photo by Joe Mendel

I've been reading Michael J. Crosbie's experience in Chichen Itza and I can imagine his feelings, though, being born in Buenos Aires, a big city, I'm accustomed to vendors and people bothering us in trains, buses, while walking, children asking for money everywhere in the heart of the City. But it's even worst when you are trying to concentrate on the sacredness of a mystical place.
Michael Crosbie is the Editor of the architectural magazine Faith and Form. Here, his words:

I remember it being a very hot day. I had traveled with friends and colleagues this past April on a pilgrimage to the ruins of Chichen Itza, Mexico, one of the places on my architect's bucket list. Now I stood at the threshold of this monumental site, ready to sacrifice myself to the heat (and the occasional iguana) to learn some deep, sacred truth. The anticipation of this adventure, which was organized by the Forum for Architecture, Culture and Spirituality, was almost too much to bear. How would we receive these incredible religious ruins? What secrets would they admit to us as we wandered among them, immediately and over our next few days in their presence? What spiritual transcendence could we hope for, experiencing these mute stone structures of an ancient civilization, one whose primary traces were the mysterious, sacred buildings they left behind? And then it all went…terribly wrong. As I drew closer to the ruins, making my way through a densely forested pathway, I was approached by a child, imploring, “Want to buy a handkerchief, mister? One peso, almost free!” A bit farther on, as I strained to see on my right the outline of the El Castillo–that dramatic flight of steps to the heavens–an alarming growl rose from just off to my left, the sound of a wounded, angry animal of the jungle. Was I about to be consumed before consummating my tryst with these sacred stones? No. It was just another vendor, his long table spread out with souvenirs, blowing into the carved wooden head of a jaguar, the cat that used to rule these ruins. Another vendor next to him hawked tee-shirts, and another beyond offered onyx paperweights carved in the likeness of a portion of the male anatomy, detailed in every way. And there was another vendor, and another, and another, as far as the eye could see. But I still hadn't seen a blasted ruin! We arrive at pivotal sacred sites around the world, our spirits ready to be lifted into communion with ancient truths, to dive into the deepest pools of transcendence, and someone is trying to sell us gee-gaws. Or we turn a corner in Paris, ready to be floored by the aura of Notre Dame, and it is covered with scaffolding. Or it is just closed for the day…no explanation at all. What is the pilgrim to do? The next day in Chichen Itza, we came early. Really early–the ticket sellers hadn't even yet arrived in their booths as we milled around, counting out exact change. I rushed with my ticket down the pathway, not a soul in sight. For a while, maybe only 15 minutes, it was just me and El Castillo, this mysterious mountain of stone that refused to tell me anything. I sketched in peace and scribbled notes. I then walked to the epic ball court nearby, with its rings of stone protruding as witnesses to the ghosts of gamesmen who might hope eternally in vain for the ultimate “do over.” I sat against a wall, the humidity beginning to rise, and looked for a long time at the two facing ball-court walls, silent in their secrets. More notes, more sketches. I was grateful for the silence.

Sunday, June 24, 2012

El edificio como obra maestra

Ópera Estatal de Dresde. Imagen bajada del artículo de referencia

Estuve leyendo la ponencia de Ricardo Ibarlucía en el coloquio ¨Configuraciones de Vida¨, de la Universidad Nacional de San Martín, y lo recomiendo altamente, sólo reproduciré los párrafos que hablan de la obra de arquitectura como obra maestra y dejo el link para que lo lean por completo:

¨Las obras maestras desempeñarían un papel vital en el entramado de convicciones, certezas y saberes prácticos que participan de nuestra visión del mundo. En efecto, los seres humanos no sólo se dejan tocar emocionalmente por las creaciones artísticas; circunscribir los procesos cognitivos a la ciencia, reduciendo el arte a la percepción, a la emoción y a las facultades no lógicas, ha sido quizá la herencia más nociva de la estética tradicional. El arte tiene tanto que ver con el placer como con el conocimiento: no es el pasatiempo de un público pasivo, que suele oponerse a la ciencia como un conocimiento fundado en demostraciones y experimentos. Como ha indicado Nelson Goodman, el filósofo que con mayor énfasis ha rechazado esta confusión: "Llegar a comprender una pintura o una sinfonía en un estilo que no es familiar, a reconocer el trabajo de un artista o de una escuela, a ver o escuchar de maneras nuevas, constituye un desarrollo cognitivo semejante a aprender a leer, a escribir o a sumar".
Las obras maestras, como cualquier obra de arte, funcionan como tales en la medida en que participan en nuestra manera de ver, sentir, percibir, concebir y comprender en general. "Un edificio -señala Goodman-, más que la mayoría de las obras, altera nuestro entorno físico; pero además, como obra de arte puede, a través de diversas vías de significación, informar y reorganizar nuestra experiencia entera. Al igual que otras obras de arte -y al igual que las teorías científicas, también- puede dar una nueva visión, fomentar la comprensión, participar en nuestro continuo rehacer el mundo." Podríamos ilustrar esto con la historia de la ópera estatal de Dresde, en la Theaterplatz, construida en 1876 por Gottfried Semper. Durante la noche del 13 de febrero de 1945, la Semperoper quedó reducida a escombros por las bombas de la RAF, como casi todo el casco histórico de la ciudad. En 1977, sin contar con respaldo financiero del gobierno de la República Democrática Alemana, que por otro lado había demolido el Schloss de Berlín, a cien kilómetros de allí, los ciudadanos emprendieron lentamente su reconstrucción, pieza por pieza, moldura por moldura, a partir de los planos originales descubiertos en un altillo. Una pintora y varios artistas, albañiles y cientos de colaboradores espontáneos trabajaron durante ocho años en la restauración del edificio, filmada por un equipo de tres documentalistas aficionados.
¿Qué pudo empujar a estos hombres y mujeres, algunos de los cuales habían sufrido cuando chicos los bombardeos, el hambre y las miserias de la guerra, la pérdida de seres queridos y la privación de las libertades políticas, a reconstruir una ópera a la que probablemente no hubieran ido nunca de haberse mantenido las condiciones económicas y sociales que permitieron su edificación en la segunda mitad del siglo XIX? La reconstrucción de la Semperoper, contra la voluntad de un régimen que la execraba como monumento de la burguesía, les permitió no sólo recuperar un edificio que había sido orgullo de Dresde, devolviendo a la ciudad sajona su antigua belleza y esplendor, sino también rehacer su mundo, reconfigurar su experiencia individual y colectiva, comprendiendo los horrores del pasado y resignificándolos para proyectarse en el porvenir. La reconstrucción de aquella obra maestra fue la obra de sus vidas.¨
Lea el artículo de Ibarlucía ¿Para qué necesitamos las obras maestras?

Saturday, June 23, 2012

Would a congregation hire an artist who wasn't of the same faith?

Dome of a catholic church with painted saints. Domo de una iglesia católica con santos pintados. Digital painting by Myriam B. Mahiques

I've seen this discussion before and I know in  history many artists, mostly in painting, could accomplish great jobs even being pagans. From the Editorial of Faith and Form, an excerpt from Michael J. Crosbie to make us reflect on this issue: 

The other day, in the Faith & Form LinkedIn discussion group, a group member brought up the topic of the fealty of those who work with congregations on architecture and art projects. He wanted to know if he might not be considered for a stained-glass commission if the congregation knew he was a Mormon (assuming the congregation wasn't Mormon). An artist who is a Mormon adds another component to the issue, because some denominations don't consider Mormons to be Christians. There are at least two issues here: Would a congregation hire a stained-glass artist who wasn't of the same faith?; would the congregation hire someone they considered some sort of pagan? The first question deals with whether the artist can truly understand the theology of a religion that he or she is not a part of, at least well enough to create art that embodies the beliefs of that religion. The second issue is one of worthiness: should a congregation give work to a “non-believer” when there might be believers who could accomplish the work? In other words, should you reward a non-believer with a commission? Or, to put it another way, is it OK with God? A member of our group commented that you don't have to be a believer to be a talented architect or artist: “Probably the greatest church architect of the 20th century, Bertram Goodhue, was a committed agnostic, if that's not an oxymoron.” Another pointed out that Henri Matisse's Chapel of the Rosary for a community of Dominican nuns in Vence, France, was the achievement of a lapsed Catholic who designed the architecture, art, and everything in it, and then pronounced it his greatest masterpiece. Another member who joined the discussion said that an architect or a designer's religion doesn't matter to her: “Their job is to interpret my building dreams.”

Henri Matisse. Interior of the Chapel of the Rosary, Vence. At left: The Tree of Life, stained glass. At right: St. Dominic, ceramic tiles. 1950. From
Henri Matisse. Interior of the Chapel of the Rosary, Vence. Stained glass at the entrance door. From
California Tower, Balboa Park: by Goodhue in Spanish Colonial Revival style for the Panama–California Exposition (1915).

Read the article in full:

Friday, June 22, 2012

The urban transformation of Sulukule was declared "not of public interest"

Sulukule was declared a target area for “urban transformation” by the Turkish cabinet in 2006. Six years, four lawsuits, and many evictions later, an Istanbul court has finally declared the project not to be in the public interest, reports Turkish independent media center Bianet. In the meantime, however, irreparable demolition and damage has occurred to the area and its residents. “Social ostracization, gentrification and urban profiteering” Turkey’s Housing Development Administration (TOKİ) began construction in Sulukule in May 2009. Since then, large areas of the old neighborhood buildings have been demolished to make way for 640 villas. The new houses have all sold out at prices far beyond what a typical Roma family can afford. At most, 50 Roma families would be able to stay in the neighborhood. TOKİ promised the displaced Roma families new housing in a neighborhood much farther from the city center. But some 300 of those families had difficulty making their payments to TOKİ on time, and have been forced out of those houses as well. The whole project has been condemned by Turkish and international civil society groups and termed a ”social ostracization, gentrification and urban profiteering” scheme by the World Heritage Committee. Now, thanks to the court’s verdict, a new plan will have to be devised: one that accommodates the Roma and doesn’t ruin the historical skyline.

Keep on reading:

Learn more about this situation:

Thursday, June 21, 2012

The urban guerrilla knitting of Magda Sayeg

Magda Sayeg is heralded as the Queen of Guerilla Knitting, a movement that emerged five or six years ago and introduced a new way of thinking about public art. Echoing, microcosmically, the work of prolific twentieth century artists Christo and Jean-Claude, Sayeg decorates and interrupts the urban environment by wrapping street signs, statues and fences in multicoloured patches of knitted yarn. The pieces appear without warning, with no insight to the artist’s process, and, beyond the existence of the artwork itself, no evidence that the artist was even ever there. This sounds a little familiar, doesn’t it? If you replace the knitting with paint and markers, isn’t this exactly how graffiti comes about? Both appear unexpectedly, both contribute colour, imagination and practised artistic technique to the urban space, both involve the defiling of public property. Why is it, then, that Sayeg has earned herself a place in this year’s celebrated public art exhibition ‘Art & About’.


Austin Texas Artist, Magda Sayeg, aka PolyCotn  is the founder of Knitta Please, a group who is re imagining the potential of knitted yarn as a street art medium. It started when Magda knitted a simple door handle and has now evolved to “yarn bombing” utility poles, monuments all over the world. In Mexico they covered a whole bus in yarn.
Fueled by adrenaline, Knitta Please has taken this American tradition usually relegated to sweaters and booties and have gave it a new life by “inspiring a new generation of knitters who no longer view function as the sole purpose for knitting.”
When did you first start to knit and what attracted you to yarn as a medium?

When I was 15, I started to knit a scarf for a boyfriend. We broke up and the scarf was still not finished. I put it down for 15 years. I’ve always been attracted to the look, feel, and flexibility of textiles.

How long and when did you make the connection or recognize that knitting can be a new street art form?
By time I picked up knitting again, street culture had made it’s way into music, art, fashion, and advertising, and I loved it all. I was interested in the act of knitting as opposed to its traditional function, like knitting sweaters, socks, and hats, so my first piece was a door handle. I didn’t really consider the implications of what I was doing until I knitted a stop sign pole. People would stop and take pictures. It started popping up in blogs. At the time I lived in Houston which is not known for it beauty, so I got together with friends and started going out at night and covering everything. Soon a lot of people were wanting to join the group/crew, and we named it Knitta Please. We began documenting the work and posting on flickr. We added a website. I received emails daily asking to join or permission to do the same in other places outside of Houston. We hit a chord, and it was fun to watch it gain momentum.
What kind of reactions have you received as a result of your work?

Soon after I started, I had local coverage in Houston, but it wasn’t until the New York trip that Knitta began to take on a life of its own. A week after coming back I was in bed, watching Saturday Night Live, and Tina Fey was doing her “Weekend Report” segment. As part of the skit, an image of a yarn ball with knitting needles appeared at the top of the screen, and she began to report on a group of knitters who had recently tagged New York. My jaw dropped, and the phone began ringing.


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Wednesday, June 20, 2012

Acerca del documental ¨The Pruitt Igoe Myth¨

El complejo de viviendas de Pruitt Igoe.

En mis épocas de estudiante, recuerdo haber leído con sorpresa acerca de la implosión de Pruitt Igoe en el libro de Charles Jencks, ¨El Lenguaje de la Arquitectura Post Moderna¨ y siempre me quedó esa impresión que el decaimiento y fracaso de las de viviendas sociales de Pruitt Igoe se debían estrictamente al diseño del arquitecto Minoru Yamasaki. 
He tenido la oportunidad de ver recientemente el documental The Pruitt Igoe Myth y lo recomiendo altamente para fines educativos, en él tenemos el testimonio de algunos de sus habitantes más el de historiadores-planificadores urbanos.
Fue muy importante para mí, ya que he vivido la implosión en Buenos Aires de algunos de los edificios del complejo tristemente llamado Fuerte Apache, y sé bien, por conocer el proyecto, que fue creado con expectativas de mejoras sociales y en base a núcleos familiares, que no fue el diseño lo que ocasionó el desenlace que los porteños conocemos tan bien.
Volviendo a Pruitt Igoe, el enorme complejo de St Louis, Missouri, EEUU, fue en principio habitado en 1954, exclusivamente por gente de color que vivía en la ciudad, en condiciones mínimas o inexistentes de habitabilidad. El hecho de mudarse a un departamento nuevo y poder dormir en una habitación con puerta, ya es una razón que produce alegría en sus primeros habitantes, quienes pagarían la renta y la Ciudad (término análogo a nuestra Municipalidad), con lo recaudado, se ocuparía de mantener los edificios.
A medida que pasan los años, la Ciudad deja de atender el complejo y comienza la degradación, social y edilicia.  Hay varias razones que se debaten en el documental, entre ellas:

En Pruitt Igoe se concentra la población negra, y su ubicación es adaycente al Centro urbano; los blancos, se movilizan entonces hacia la periferia (lo que sería el área metropolitana) y compran terrenos más baratos donde construyen la casita de sus sueños, con jardín, barbeque y eventualmente natatorios.
El Centro se vacía y decae aún más, las nuevas industrias se localizan en la periferia, lo mismo que los nuevos edificios de oficinas. Es allí donde la Ciudad  invierte, dejando de mantener entonces los edificios de Pruitt Igoe.
Se producen migraciones masivas de gente de color y campesinos, que ocupan los sectores degradados del Centro; buscan trabajo en las fábricas, pero ya no lo hay, la pobreza, la segregación racial se incrementan.
Los nuevos llegados de color, se congregan en el salón de usos múltiples de Pruitt Igoe, se juntan a beber alcohol, fumar, bailar. Los habitantes comienzan a defender su territorialidad.
Entre los programas sociales, se menciona uno que he sabido aún está en boga en California; son beneficios sociales que se da a madres que viven con sus hijos (generalmente numerosos) y sin marido; me han contado de casos donde los hombres vuelven por la noche a dormir con sus mujeres y visitar a sus niños. Si un inspector los descubre, se cortan los beneficios. El mismo sistema se ofrecía a las madres de Pruitt Igoe, y una ex residente dice que con ese criterio, a medida que los niños varones van creciendo, las madres los van impulsando a tomar el lugar simbólico del padre; es el adolescente varón entonces el que defenderá a su familia y su lugar; se forman gangs y comienzan los asesinatos y vandalismo. 

The Pruitt-Igoe Myth: an Urban History – Film Trailer from the Pruitt-Igoe Myth on Vimeo.

El vandalismo es atroz; la policía va en algunas oportunidades, pero se los rechaza ferozmente, y dejan de ir, el lugar se transforma en un caos, donde (y ahí sí vemos los defectos de diseño) la gran escala es incontrolable, los pasillos y escaleras son espacios de terror, nunca se sabía quién estaba al acecho.
Algunos habitantes se van, en consecuencia, incluso si la Ciudad se ocupara, el dinero de las rentas no alcanzaría; se forman grupos de vecinos que intentan por todos los medios limpiar, reparar, pero ya la degradación es inabarcable; las mujeres reclaman a la policía, y ellos se desentienden.
Finalmente, en 1972, comienzan las implosiones.

Serie de implosiones de Pruitt Igoe.

No se sabe dónde están los antiguos habitantes, no se aclara dónde han emigrado. El predio ha quedado vacío, con una vegetación descuidada y restos de las implosiones, y basura, por doquier. 
Desconozco si hay un plan para rehabilitar el área.
El documental termina con el testimonio de una mujer, llorando, que dice que a pesar de todo, era su vivienda, su lugar y que tiene hermosos recuerdos de las primeras navidades, la gente bailando con las puertas de los departamentos abiertas, las familias compartiendo.
La edición del documental no es buena, carece de una continuidad visual o efectos que ayuden a hilar los acontecimientos, los hechos se muestran en forma aislada. 
Considero que todo arquitecto debiera ver este documental.

Lea sobre la implosión de Fuerte Apache:

Tuesday, June 19, 2012

¨Casa dos Bicos¨: se inauguró como la Casa de Saramago

Casa dos Bicos. Lisboa, Portugal. Foto

Saramago fue miembro de una generación que intentó, “si no cambiar el mundo, tornarlo digno de ser salvado de su inhumanidad”, dijo ayer el ensayista Eduardo Lourenco, uno de los autores más reconocidos en Portugal. Conmovió: lo dijo en la casa que el Premio Nobel había elegido para vivir y que la muerte no le permitió habitar. Se trata de la “Casa dos Bicos”, con su peculiar fachada de puntas y aristas, que sus puertas como sede del legado universal de José Saramago, cuyos restos reposan sepultados al pie del edificio, bajo un olivo de su aldea natal. En un acto que congregó a intelectuales, políticos y autoridades lusas, la viuda del escritor, Pilar del Río, inauguró la nueva sede de la Fundación Saramago con un emotivo homenaje al novelista, fallecido el 18 de junio de 2010 en su casa de las Islas Canarias. Durante la inauguración se presentó una exposición sobre el escritor, titulada “La semilla y los frutos” que repasa su producción literaria y algunos de los acontecimientos que jalonaron su vida. Los asistentes al acto, entre ellos varios líderes de la izquierda lusa y conocidos intelectuales, participaron después en un acto simbólico ante el olivo que guarda los restos de Saramago a las puertas de la “Casa dos Bicos”, donde fue depositada una flor. La nueva sede de la fundación guarda cientos de libros, manuscritos, fotos, agendas personales y otros muchos recuerdos de Saramago, como su mesa de trabajo o la máquina donde escribía. Del Río definió a la nueva sede como un “museo vivo”, con proyecciones, conciertos y mucho más.


Detalle de la Casa dos Bicos

De wikipedia leemos la historia de la Casa dos Bicos:

 The Casa dos Bicos (Portuguese for House of the Spikes) is a historical house in the city of Lisbon, in Portugal. The house, built in the early 16th century in the Alfama neighbourhood, has a curious façade of Renaissance and Manueline influence. It has survived the disastrous 1755 Lisbon Earthquake that destroyed much of the city. The Casa dos Bicos was built around 1523 by Brás de Albuquerque (1501-1581), son of the first governor of Portuguese India, Afonso de Albuquerque. Brás de Albuquerque had spent some years in Italy, where he could get first hand contact with Italian Renaissance architecture. He presumably saw urban palaces like the Palazzo dei Diamanti, in Ferrara, that have façades covered with diamond-shaped spikes. Upon his return to Portugal, Brás de Albuquerque built the Casa dos Bicos with a façade featuring "diamonds" like in the Italian palace, but incorporating Manueline (Portuguese late Gothic) windows and portals. Detail of the façade In 1755, the earthquake destroyed a great part of the building. The main façade was destroyed, and the two upper storeys of the façade facing the Bacalhoeiros street (the current main façade) came down. The house was kept in possession of the Albuquerque family until the 19th century, when it was acquired by a codfish trader. It was used for years as a storage house for codfish (Bacalhau). Around 1960 the house was acquired by the Lisbon Municipality. In the 1980s the house was restored and partially rebuilt. The two upper storeys of the current main façade were rebuilt based on pre-1755 drawings and paintings, which showed a Renaissance loggia on the third floor and the Manueline-style windows. Archaeological excavations were carried out inside the house, revealing remnants of Roman and Moorish periods.

La Casa dos Bicos o Casa de Brás de Albuquerque se localiza en el Barrio de la Alfama de Lisboa. Fue construida en 1523, con diseño de Francisco de Arruda, por orden de Brás de Albuquerque, hijo natural del conquistador de Ormuz, Afonso de Albuquerque, para servir de vivienda. Está situada al este de la Praça do Comércio, cerca de donde se encontraban la Alfândega, el "Tribunal das Sete Casas" y la "Ribeira Velha" (un mercado de pescado y productos de hortícolas, con lonjas de comida y vino). Su fachada está revestida de piedras talladas en forma de punta de diamante, los llamados "bicos", siendo un ejemplo único de arquitectura civil residencia lisboeta en Lisboa. Los "bicos" demuestran una clara influencia del Renacimiento italiano. De hecho, el dueño de la casa, Brás de Albuquerque, la mandó construir después de un viaje por Italia, donde había visto el Palacio de los Diamantes de Ferrara y el Palacio Bevilacqua, en Bolonia. Las puertas y ventanas tienen una distribución y tamaños diversos, lo que concede al edificio cierto encanto, reforzado por el trazado de las ventanas de los pisos superiores, libremente inspiradas en los arcos trilobulados de la época. En la planta inicial tiene dos fachadas de piedras cortadas en pirámide y colocadas de forma desencontrada, donde sobresalen dos puertas manuelinas, la central y la del extremo oriental, además de otros dos plantas nobles. La fachada menos importante se encontraba orientada hacia el río. Tras el terremoto de Lisboa de 1755, todo el edificio quedó destruido y desaparecieron los dos últimos pisos. La familia Albuquerque vendió la casa en 1973, y fue utilizada durante un tiempo como almacen y como sede de comercio de bacalao. En 1983, por iniciativa del comisariado de la XVII Exposición Europea de Arte, Ciencia y Cultura, fue reconstruida y devuelta a su configuración inicial, y sirvió como local de exposiciones. Hoy en día en la Casa dos Bicos funcionan diversos servicios de la Cámara Municipal de Lisboa y, en el futuro, acogerá la biblioteca de la Fundación José Saramago.

Monday, June 18, 2012

¨Cloud City¨ en el Metropolitan Museum of Art. New York

En la imaginación de Tomás Saraceno, su constelación de 16 módulos unidos en la terraza del Metropolitan Museum of Art en Nueva York despegará con una fuerte ráfaga de viento y flotará sobre Central Park. "Todo se pondrá en órbita", dijo Saraceno. En los 15 veranos anteriores, el jardín de la terraza del Met sirvió de marco a esculturas de artistas como Ellsworth Kelly, Jeff Koons y, el año pasado, Anthony Caro. También ha sido un lugar para caminar por una senda serpenteante de bambú que se extendía unos 15 metros en una instalación poco tradicional que invitaba al visitante a participar. El entorno más inesperado de todos podría ser, sin embargo, el vertiginoso hábitat multipoligonal de acrílico y acero inoxidable con acabado de espejo llamado "Cloud City". "Cloud City" es la obra más grande en la serie que Saraceno llevó a cabo en 10 años, "Cloud Cities/Air Port City". El artista argentino describió su creación como "una estación espacial internacional". Saraceno hizo subir a esta visitante por una escalera retorcida de unos seis metros sobre el jardín de la terraza. Algunos de los pisos eran transparentes, y las paredes eran de acero con acabado de espejo, acrílico o abiertos al aire. De golpe, los edificios, la gente y los árboles quedaban invertidos o desplazados, en algunos casos casi girando alrededor desde la perspectiva del interior de esta construcción futurista gigantesca. Como muchas de las instalaciones de Saraceno, "Cloud City" representa su visión de ciudades flotantes que cuestionan las nociones convencionales de espacio, tiempo y gravedad. "Se puede tener una sensación de falta de gravedad que es un poco desconcertante", admitió. Anne L. Strauss, curadora adjunta del departamento de arte moderno y contemporáneo del Met, vio la obra de Saraceno por primera vez en la Bienal de Venecia de 2009, donde redes moleculares de cuerda elástica negra envolvían una gran sala blanca en el edificio principal de los Giardini. Las cuerdas propiamente dichas eran formas cristalinas complejas, lo cual hacía que la instalación fuera tan arquitectónica como filosófica. La tela de araña, cuyas formas pueden destruirse con suma facilidad, era la metáfora de Saraceno para la fragilidad del mundo. "Después de ver la obra, pensé que, teniendo en cuenta su incontenible inventiva, Tomás sería el artista ideal para crear algo en este lugar", dijo Strauss, agregando que "Cloud City" sería "similar a un telescopio que mira la atmósfera". Saraceno, de 39 años, es arquitecto, razón por la cual gran parte de su actividad apunta a ampliar los límites del arte, la arquitectura y la ciencia. Para él, su instalación constituye una de sus visiones para hacer realidad un entorno utópico: una creación inspirada por lo obvio y por lo arcano ­dijo­ las ideas de Buckminster Fuller; la naturaleza efímera de las nubes y las burbujas, las bacterias y la espuma; y redes de comunicación sociales y neuronales. Las instalaciones experimentales de Saraceno se exponen en toda Europa y en los Estados Unidos. La más reciente de dichas exposiciones tuvo lugar en Berlín, donde se incluyeron unas 20 creaciones de Saraceno en una muestra que terminó en febrero. Cuando "Cloud City" abandone la terraza del Met en noviembre, no volverá a ser vista en público nuevamente hasta el verano de 2013, cuando viaje al Green Box Arts Festival en Green Mountain Falls, Colorado, donde estará instalada en un bosque exuberante. "Me gusta la idea de maleabilidad, de verla rodeada de árboles" ­dijo Saraceno. "Cuando se reconstruya en otro lugar, el cielo y el entorno serán diferentes; cambiará completamente".


From The Metropolitan Museum of Art web page:

 Artist Tomás Saraceno (born in Tucumán, Argentina, in 1973) will create a constellation of large, interconnected modules constructed with transparent and reflective materials for the Museum's Iris and B. Gerald Cantor Roof Garden. Visitors may enter and walk through these habitat-like, modular structures grouped in a nonlinear configuration. Over the past decade, Saraceno has established a practice of constructing habitable networks based upon complex geometries and interconnectivity that merge art, architecture, and science. The interdisciplinary project "Cloud Cities/Air Port City" is rooted in the artist's investigation of expanding the ways in which we inhabit and experience our environment.

Sunday, June 17, 2012

Overview of Versailles. 1688

Pierre Patel´s overview of Versailles painted in 1688 demonstrates the power and glory of the French gardening style as exemplified by Louis XIV and Le Notre. In the perspective, avenues stretch into the distance, while nearer the chateau ordered and disciplined plants line expanses of green and the wide alleys through which the king makes his tour. Tall hornbeams are clipped and trained to make vertical screens -the charmilles lastingly associated with French formal gardening- and the bosquets make a dense screen around their inner features and planting.

From Gardening through the ages. By Penelope Hobhouse. Italy. 1992. P. 162-163

Saturday, June 16, 2012

The ideal of the Islamic and Mughal garden

The detail of an eighteen century Rajput miniature of an Indian princess in a garden reveals typical features inherited from the ideal of the Islamic and Mughal garden. Within high enclosing walls with imposing entrance gates there are pavilions and lotus-filled pools, and cypresses and flowering fruit tress as well as colourful flowers flourish in the geometrically arranged beds. Beyond the outer walls irrigation from the river has made it possible to grow a shrubbery which includes cypresses and bananas and perhaps other exotic trees and flowers as well as those native to India.

From Gardening through the ages. By Penelope Hobhouse. Italy. 1992. P. 50/51

Friday, June 15, 2012

Una casita dentro del cementerio de 2 de Mayo, Misiones. Bonus: el mausoleo de Néstor Kirchner

La ¨casita¨ dentro del cementerio. Foto de San Vicente Informa

He leído atónita las noticias sobre la mujer que mandó a construír una casita habitable o semi habitable según se entienda, dentro de un cementerio en Misiones, una provincia al Noreste de Argentina.
Dicen los diarios que tiene cocina a gas (supongo con garrafa?), conexión de electricidad, lo que más me asombró es que tiene su propio medidor, desde que la empresa de provisión de electricidad provee un medidor particular, se está dando el primer paso a la habitabilidad.
No se dice que la ¨casita¨ tenga baño, y pareciera ser que no por las dimensiones, y me pregunto, si la mujer  usa la casita como habitación de hotel, dónde ha ido al baño?
Los vecinos se han quejado de la ¨extraña ceremonia¨ a la llegada del féretro, música, sandwiches, bocinazos. A mí no me sorprende en absoluto, es una costumbre estadounidense celebrar la vida del difunto, he participado de una de estas ceremonias y la gente lleva comida, se dona dinero, la casa se adorna con flores y globos oscuros, amigos y familiares conversan y se puede ver videos o powerpoints de escenas de la vida de la persona en cuestión. También hay música, y si alguien desea bailar, lo hace.
Me costó aceptar esta modalidad, yo no soy partidaria de ninguna ceremonia, más si la familia ha pasado meses sufriendo por alguna enfermedad que afectara al difunto.
Dejando de lado estos detalles, el problema no lo veo en la señora sino en las autoridades municipales que deben otorgar un permiso para la construcción, también debiera haber inspecciones porque una bóveda -como se llama tradicionalmente- puede desmoronarse y tener problemas constructivos como cualquier otro edificio. 
He leído los comentarios de los lectores, y varios hacen alusión al mausoleo del ex presidente Kirchner. Todo un edificio, con sillones, una mesa, la presidente Cristina de Kirchner puede ver por circuito de TV el interior. Mi opinión: una barbaridad y una falta absoluta de modestia, basta ver semejante ¨aparato¨ en medio de las pequeñas tumbas. Después de este ejemplo, parece que todo estaría permitido.

Mausoleo de Néstor Kirchner en Río Gallegos. Imagen de
Acá se ve la escala del mausoleo de Kirchner en comparación con las modestas tumbas que lo rodean. Foto de
El mausoleo de Kirchner terminado, foto bajada de

Comparto unos párrafos del diario La Nación:

Una mujer viaja cada dos meses al cementerio de la localidad misionera de Dos de Mayo para visitar el nicho donde descansan los restos de su esposo y pernocta allí, ya que tiene computadora con Internet, televisor, cocina a gas, cama y su propio medidor de luz. El insólito episodio fue confirmado a DyN por el comisario Gustavo Braganza, jefe de la repartición de la localidad de 19 mil habitantes ubicada a 200 kilómetros de Posadas. La mujer fue identificada como Adriana Villarreal, de 43 años, quien vive en la provincia de Buenos Aires y hace dos años que viaja a Dos de Mayo, cuando murió su ex pareja, Sergio Reneé "Checho" Yede (28), en confusas circunstancias. El martes último, familiares de difuntos se quejaron en la comisaría local, mediante varios llamados telefónicos, porque del nicho "salía música bailantera a un alto volumen" que alteraba la tranquilidad del cementerio municipal San Lázaro. El comisario puso en conocimiento a inspectores municipales y éstos se dirigieron al nicho, que "está preparado como una casa", según describió Braganza. La mujer, que es "muy apuesta y tiene a simple vista operaciones para embellecer su cuerpo, nos atendió vestida con pijama", contó el jefe policial a esta agencia. Además, aclaró que no se advierte que tenga las facultades mentales alteradas y se percibe que tiene un muy buen pasar económico. Según Braganza, ella va al nicho en Navidad y Año Nuevo para celebrar las fiestas junto al cadáver de su difunto esposo, cuyo cuerpo está embalsamado y se puede ver a través de un vidrio, donde incluso lleva pirotecnia. "Todos comentan que el día que falleció el hombre, el 16 de junio de 2010, fue una ceremonia particular, debido a que cuando se puso el féretro en el nicho también hubo música y un lunch para los allegados. Antes hubo una caravana de autos con bocinazos y cohetes", indicó. 
El nicho tiene "computadora, televisor, equipo de audio, silla, cocina a gas y cama", expresó el comisario y añadió que la viuda dejaba estacionado su vehículo Peugeot 206 al lado de la construcción cuando pasaba la noche. 
 La Policía labró un acta y notificó a la mujer, tras la intervención del municipio, que el horario de visita es de 8 a 19 y no se puede pernoctar en el lugar. El nicho fue cerrado con candado y esta mañana una comisión policial fue al lugar, pero Villarreal ya había regresado a su casa en la provincia de Buenos Aires.

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